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2019 | XTRÒRDINÁRIO

Desafiados pelo São Luiz para um espetáculo que acompanhasse a efeméride dos 125 anos do Teatro, considerou-se adequado passar musicalmente pela história de uma sala de teatro que viveu o cinema mudo que começa a ser sonoro, que viu Antoine e Sarah Bernhardt, fogos e reconstruções e que foi rebatizada por três vezes. Como em qualquer trabalho do Teatro Praga, olhamos para esta revisitação com a distância crítica que permite ir bem para lá de uma efeméride comemorativa e encomiástica, mas que seja capaz de pensar o papel do teatro no seu tempo e na cidade que hoje habitamos.

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Criação | Teatro Praga (André e. Teodósio, Cláudia Jardim, José Maria Vieira Mendes e Pedro Penim)
Atores | André e. Teodósio, Cláudia Jardim, Diogo Bento, Joana Barrios, José Raposo, João Duarte Costa, Joana Manuel, Jenny Larue, Patrícia da Silva e Pedro Penim
Direção musical | João Paulo Soares
Músicos | Francisco Cardoso (Bateria/Percussão), Nuno Fernandes (Baixo/Contrabaixo), António Santos (Trombone/Bombardino), Filipe Coelho (Trompete/Fliscorne), Paulo Bernardino (Clarinete/Saxofone)
Participação musical | Fado Bicha
Coreografia | Luiz Antunes
Bailarinos | Guilherme Leal, Ana Moreno, Adriano Vicente, Stefani Duvet
Consultoria artística | João Pedro Vale & Nuno Alexandre Ferreira
Vídeo (concepção e edição) | André Godinho
Cenografia | Joana Sousa
Figurinos | Inês Ariana e Nuno Braz de Oliveira
Mestre costureira | Rosário Balbi
Desenho de som e sonoplastia | Miguel Lucas Mendes
Desenho de luz | Daniel Worm d’Assumpção
Assistente de encenação | Óscar Silva
Direção de produção | Andreia Carneiro
Produção | Alexandra Baião
Registo de vídeo | Jorge Jacóme
Apoio à criação | ESTÚDIOS VICTOR CÓRDON/RESIDÊNCIAS ARTÍSTICAS
Apoio | Museu Berardo

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Length | 2h15 (w/ break)
M/12

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2019 | TIMÃO DE ATENAS

Um espetáculo Teatro Praga com
a colaboração musical de Ludovice Ensemble

A partir do  Timão de Atenas de
William Shakespeare e de Henry Purcell.

APEMANTUS I love thee better now than e’er I did.
TIMON I hate thee worse.

Em 2010, o Teatro Praga apresentou, no Grande Auditório do CCB, Sonho de uma noite de verão, um espetáculo que partia de uma semi-ópera de Henry Purcell, The Fairy Queen, que por sua vez partia do encontro com um texto de Shakespeare, Sonho de uma noite de verão. Três anos mais tarde, no mesmo auditório, o Teatro Praga regressou a Shakespeare e a Purcell, apropriando-se de uma outra composição musical do inglês escrita para animar uma adaptação de Thomas Shadwell de uma peça de Shakespeare: A Tempestade ou A ilha encantada. Seis anos depois de A Tempestade e nove anos depois de Sonho de uma noite de verão, o Teatro Praga completa o que sempre foi pensado como uma trilogia.

Timão de Atenas é uma composição musical de Henry Purcell, datada de 1694, escrita a convite de Thomas Shadwell, que mais uma vez adaptou o texto de Shakespeare (A vida de Timão de Atenas) e encomendou ao jovem Purcell uma «mascarada» (mask). A «mascarada» era uma forma de entretenimento praticada entre membros da corte e bastante em voga nos séculos XVI e XVII. Envolvia música, dança, canção e representação, com cenografias elaboradas e figurinos sumptuosos. Os mascarados eram habitualmente membros da corte e por vezes o próprio rei, acompanhados por atores e cantores profissionais.

Se em Sonho de uma noite de verão se procurava o lugar do poder antes ocupado pelo monarca, e de que modo a figura do programador ou curador preenche uma posição central na definição da arte que vale; se A Tempestade se voltava para o artista, para quem faz, e para a relação deste com o meio (público, teatro, escritas); já o terceiro momento da trilogia, que segue o formato do Teatro de Restauração, deverá concentrar-se nas relações entre arte e capitalismo, caminhando para um abandono progressivo dos objetos, da concretização e da partilha e aproximando-se de uma experiencialidade individualista, capaz de gerar capital sem produzir material. Timão de Atenas do Teatro Praga vai à procura da melhor forma de acabar.

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Criação | Teatro Praga (André e. Teodósio, Cláudia Jardim, José Maria Vieira Mendes e Pedro Penim)
Direção Ludovice Ensemble | Fernando Miguel Jalôto
Texto | José Maria Vieira Mendes
Atores | André e.Teodósio, Cláudia Jardim, David Mesquita, Diogo Bento, Joana Barrios, João Abreu, Marcello Urgeghe, Patrícia da Silva e Pedro Penim
Cantores | Ana Quintans (Cupido [soprano]), Joana Seara (Ninfa [soprano]), André Baleiro (Baco [barítono]), Fernando Guimarães (Seguidor de Baco I [tenor]) e André Lacerda (Seguidor de Baco II [tenor]).
Orquestra | Stephen Mason (Trombeta), Joana Amorim (Flautas), Pedro Lopes e Castro (Oboé e Flautas), Andreia Carvalho (Oboé), José Rodrigues Gomes (Fagote e Flautas), Sabine Stoffer (Concertino/Violino solo), Patrizio Germone (Violino solo), César Nogueira (Violino), Flávio Aldo (Violino), Álvaro Pinto (Violino), Denys Stetsenko (Violino), Lúcio Studer  (Viola), Sofia Diniz (Viola da Gamba), Marta Vicente (Grande Viola da Gamba), Vinícius Perez (Tiorba/Guitarra), Fernando Miguel Jalôto (Cravo)
Consultoria artística | Vasco Araújo
Vídeo (concepção e edição) | André Godinho
Câmaras | Cristina Pina, Eduardo Jorge
Cenografia | Joana Sousa
Figurinos | Joana Barrios
Mestre costureira | Rosário Balbi
Desenho de som e sonoplastia | Miguel Lucas Mendes
Iluminação | Daniel Worm d’Assumpção
Direção de produção | Andreia Carneiro
Produção | Alexandra Baião
Registo de vídeo | Mário Negrão
Apoios | GriffeHairStyle, GUERLAIN
Agradecimentos | Afonso Palitos, André Sá Fonseca, Carlos Pinto, Céu Barrios, Bruno Bogarim, Cão Solteiro, Família Baião, Filipe Dominguez, Francisco Benevides, Helena Vaz Pereira, Irmã Lúcia, João Pedro Vale e Nuno Alexandre Ferreira, José Barros, Junta de Freguesia da Misericórdia, Mercedes e Álvaro, Michał Dobrucki, Miguel e Maria, Nuno Ferreira, Restart, Ricardo Casal, Ricardo, Rita, Jorge e David, Rua das Gaivotas 6, Rúben Santos, Rúben Silva e Vasco Araújo

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Duração | 1h40 (s/intervalo)
M/12

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2018 | WORST OF

Não é incomum, ao longo dos tempos, escutar-se a opinião de um atraso crónico do teatro português, por comparação com as outras artes. WORST OF propõe-se a passar os olhos pela história do teatro nacional à sombra desta impressão. Para isso, um “best of” de atores nacionais dará voz às lamúrias com a ajuda de exemplos que confirmam o desalento. WORST OF é uma celebração de merda.

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Criação | Teatro Praga

Com textos de | Gil Vicente, Correia Garção, Almeida Garrett, Francisco Gomes de Amorim, Júlio Dantas, Alfredo Cortês, André Brun, Luís de Sttau Monteiro, Bernardo Santareno e J. M. Vieira Mendes
Interpretação | Cláudia Jardim, Diogo Bento, Márcia Breia, Patrícia da Silva, Pedro Penim, Rogério Samora, São José Correia e Vítor Silva Costa
Cenografia | Joana Sousa
Figurinos | Joana Barrios
Desenho de luz | Daniel Worm d’Assumpção
Desenho de som | Miguel Lucas Mendes
Assistente de encenação | Pedro Barreiro
Assistente de guarda-roupa | Andreia Mayer
Assistente de cena | Tiago Barbosa, Victor Gonçalves
Direção de produção | Andreia Carneiro
Produção | Alexandra Baião
Coprodução | TNDM II, Teatro Municipal do Porto – Rivoli

Apoio | Infraestruturas de Portugal, Antónia Rosa, Griffehairstyle, L’Oréal, Lux Frágil, Storytailors: João Branco e Luís Sanchez, Sumol + Compal, Teatradançando, Teatro do Bairro, Teatro Experimental de Cascais, Teatro Nacional de São Carlos, Vicente Trindade

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Duração | 2h10 (c/ intervalo)
M/12

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2018 | 2018

“2018″, uma performance do Teatro Praga, reactiva algumas questões tentando encontrar outros caminhos para uma historiografia complexa das artes performativas.

Se a passagem dos coreógrafos Fokine e Massine, do trabalho de artistas plásticos modernistas, da vitalidade do bailarino Nijinsky ao som orientalizante de Rimsky-Korsakov ou Tchaikovsky desencadeou em Portugal uma certa modernidade, a performance “2018” reconhece uma distância formal utilizando as mesmas estratégias artísticas das quais se tenta distanciar.

O homem como primeira figura de um bailado, a expressão e o abandono do vocabulário coreográfico como norma, o primórdio de um trabalho colaborativo, a fusão da cultura popular com a cultura de elite, o interesse nacionalista, a construção de peças de uma única ideia e o pano-de-fundo pintado como estratégia iconográfica, características transversais ao trabalho dos Bailados Russos, estruturam também a performance “2018”. Mas desta vez de uma forma imprevisível.

Na performance “2018”, o pano-de-fundo caiu e tudo passa a ser primeiro plano. E nesse espaço sem terreno, os intérpretes tanto pedem dinheiro e recebem flores como questionam, tanto dão espaço ao som como aos objectos, tanto dançam como fazem o oposto ou dão espaço a outros aspectos sensoriais não produtivos pelo prazer de o fazer.

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Uma performance de André e. Teodósio/Teatro Praga

Interpretação | Ana Tang, Adriano Vicente e Aurora Pinho
Cenografia | Jody Paulsen
Sonoplastia | Violet
Direcção de Produção | Andreia Carneiro
Assistência de Produção | Alexandra Baião
Apoios | CPAI, Presidência do Conselho de Ministros – Div. De Relações Públicas e Apoio ao Conselho de Ministros ( Drª Isabel Tadeu)

Performance inserida na exposição “Os Ballets Russes: Modernidade após Diaghilev”

Instituições organizadoras | The Lisbon Consortium/Universidade Católica Portuguesa, Museu Nacional do Teatro e da Dança, Fundação Millennium BCP
Comissária Geral | Isabel Capeloa Gil
Comissariado Científico | Isabel Capeloa Gil, José Carlos Alvarez, Nuno Crespo, Paulo Campos Pinto
Curadoria | Isabel Capeloa Gil, José Carlos Alvarez, Nuno Crespo

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Duração | 60min
M/16

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2018 | JÂNGAL

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Um espetáculo de Teatro Praga (André e. Teodósio, Cláudia Jardim, José Maria Vieira Mendes e Pedro Penim)
Interpretação | André e. Teodósio, Cláudia Jardim, Jenny Larue, Joana Barrios, João Abreu e a participação da cantora | Gisela João
Cenografia | Bruno Bogarim
Figurinos | Joana Barrios
Música | Violet
Desenho de luz | Daniel Worm d’Assumpção
Desenho de som | Miguel Lucas Mendes
Fotografia | Alípio Padilha
Vídeo | André Godinho
Direcção de produção | Andreia Carneiro
Assistente de produção | Alexandra Baião
Co-produção | São Luiz Teatro Municipal / Thêatre de la Ville / Teatro Municipal do Porto – Rivoli.Campo Alegre

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Duração | 75min
M/16

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2018 | CONUNDRUM

CONUNDRUM é um loop falado, criado a partir do trabalho de Walt Whitman e Emily Dickinson, Jussi Parikka, Grada Kilomba e manuais de computador, que apresenta a diversão e o desejo como estruturas de código open-source, fundamentais para fugir à norma.

CONUNDRUM é um problema complexo com que é difícil de lidar; é uma questão que tem apenas uma resposta conjectural; é um enigma. Nesta performance, o caminho escuro da solidão evidencia a experiência diária de ser e viver tanto como um fantasma como enquanto um monstro. Um artista, metamorfoseando fandoms, canta uma música para um gato. O gato pode ser o ativista político, uma extensão agregada das matérias-primas da terra que é capaz de se fundir com o espaço, perturbando a legitimidade do preponderante. O espaço e o som tornam-se prazer, cápsulas de princípios para um afecto que se vai transformando.

CONUNDRUM pensa em subjetividade, comunidade, política e lutas que envolvem agendas ecológicas e queer.

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2017 | ( )

Ao longo dos seus trabalhos, o coletivo Praga tem-se interessado, sob diferentes pontos de vista, numa crítica da identidade, não apenas a propósito do suporte artístico com o qual mais tem operado, o “teatro”, como também a propósito de ideias de pessoa, de corpo, de fazer ou de objecto. “( )” é uma performance duracional e dá continuidade a essa atividade, agora no âmbito do regime de visibilidade do museu.

“( )” é um local de paisagens desejadas, de outros objetos-corpo e das suas relações. Trata-se da não-normatividade enquanto possibilidade. Um poema de espera, posição para que são relegadas todas as formas não preferenciais, onde se capitaliza uma apresentação turística para reclamar invisibilidades, experiências, mudanças e efemeridade. Em “( )”, a poética do des-ser, do des-tornar-se e a hermenêutica residual produzem verdades, províncias ontológicas e campos de conhecimento que têm sido desqualificados pelos seus modos não consolidados.

Reagindo a uma longa história de regimes voyeuristas, exploradores, capacitistas e de legibilidade global, “( )” não deixa rastro, desaparece. “( )” é um esqueleto micropolítico que insere, emerge, relembra e reafirma que a recusa de ter de ser alguma coisa é a deslocação necessária para o surgimento de uma operatividade liberta de uma raiz matricial: Desconhecer na intimidade.

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Uma performance de Teatro Praga / André e. Teodósio
Com | Ana Tang, Aurora Pinho, Joana Barrios, Paulo Pascoal
Objetualidade material | Teatro Praga / Bruno Bogarim
Direcção de produção | Andreia Carneiro
Assistente de produção | Alexandra Baião
Fotografia | Alípio Padilha
Agradecimentos | Pedro Barateiro, Bárbara Falcão Fernandes, Vasco Araújo, José Nunes e Cátia Pinheiro, Pedro Antunes, Salomé Lamas, Joana Gusmão, Jorge Jácome, Mariana Sá Nogueira, Joana Dilão, João Pedro Vale e Nuno Alexandre Ferreira, Pedro Gomes, Pólo Cultural das Gaivotas | Boavista

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Duração | 5h
M/12

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2017 | ROMEU & JULIETA

Partindo de William Shakespeare, Cláudia Jardim e Diogo Bento andarão à volta de ROMEU & JULIETA, a clássica história de amor que põe no centro da ação dois teenagers apaixonados em rota de colisão com as suas famílias e com uma sociedade repressora. Num ambiente divertido de uma cozinha dentro do palco, os atores guiam os jovens espetadores participantes pela história deste romance maldito, misturando-a com a feitura de um delicioso Cheesecake que leva o nome dos dois protagonistas shakespeareanos. Esta história, ainda que com uma linguagem adaptada, é a tragédia originalmente escrita no Século XVI, ora trágica ora cómica, que será contada de forma lúdica, através dos ingredientes e dos passos da receita do bolo. Neste ROMEU & JULIETA o drama confunde-se com o queijo Ricota, o sangue dos amantes é doce de Goiaba, as lutas de espadas fazem-se com espátulas e caçarolas e uma dentada numa bolacha Maria pode ser uma alternativa deliciosa para um coração partido.

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Texto e criação | Cláudia Jardim, Diogo Bento e Pedro Penim
Interpretação | Cláudia Jardim e Diogo Bento / André e. Teodósio
Direcção de produção | Andreia Carneiro
Assistente de produção | Alexandra Baião
Co-produção | Teatro Praga, Maria Matos Teatro Municipal, Teatro Municipal do Porto, Teatro Viriato and Centro de Artes de Ovar
Fotografia | Alípio Padilha

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Duração | 60min
M/12

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2017 | ANTES

Muitas cidades ou países apresentam uma malaise distinta. São lugares que podiam ser Portugal, de tão afundados numa dolorosa Saudade do passado, e onde cada tensão do presente é apenas a ponta de um iceberg que se explica em recuos sucessivos que podem ir até à origem das espécies, pelo menos. Esta nostalgia é muitas vezes apresentada como um diagnóstico, uma negação de um presente doloroso em oposição ao desejo de regressar a um passado glorioso.

Esse sentimento transversal a muitas latitudes é frequentemente apresentado como um diagnóstico, uma negação de um presente doloroso em oposição ao desejo de retornar a um passado glorioso. Pedro Penim cria assim a performance que começa em 2017 e volta no tempo através de um Atlas de melancolia.

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Texto e encenação | Pedro Penim
Interpretação | Bernardo de Lacerda, Frederico Serpa e Pedro Penim
Iluminação | Rui Monteiro
Assistência geral e produção executiva | Bernardo de Lacerda
Direcção de produção | Andreia Carneiro
Assistente de produção | Alexandra Baião
Co-produção | DeVIR / CAPa (para a 3ª edição do Festival “Encontros do DeVIR”), Temps d’images
Vídeo | Jorge Jácome
Fotografia | Alípio Padilha

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Duração | 45min
M/12

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2017 | DESPERTAR DA PRIMAVERA, TRAGÉDIA DA JUVENTUDE

Despertar da primavera, uma tragédia de juventude é uma peça escrita em 1891 por Frank Wedekind sobre um grupo de adolescentes em conflito com uma sociedade conservadora e moralista. A crueldade e o amor entre pares, a intolerância geracional e o suicídio são alguns dos motivos queridos pela tradição interpretativa deste texto.
A convite do Centro Cultural de Belém, o Teatro Praga regressa a um clássico da literatura dramática para inscrever, num texto e teatro canónico, o lugar dos que não estão incluídos no sistema representativo.
Pretende-se, para isso, trabalhar o expressionismo lírico de uma adolescência disforme, com uma linguagem própria que anda longe de bipartições entre cínicos e sinceros, poéticos e racionais, parecendo pairar sobre o que está construído como se não lhes pertencesse.
Se em O Avarento o interesse estava em pensar uma casa ocupada pelo Teatro Praga depois da expulsão do “velho”, o Despertar da Primavera será a casa ocupada por uma puberdade longe da Natureza, da sujeição de um corpo a outro, da construção de identidades, em rito emancipatório e resistindo a todas as normalizações tradicionais. Um lugar onde se exige a coexistência de linguagens e se confundem as referências, onde o desespero é a vida e o suicídio uma vitória. É um espetáculo que segue à procura da humanidade por inventar.

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Texto | Frank Wedekind
Tradução | José Maria Vieira Mendes
Com | André e. Teodósio, Cláudia Jardim, Diogo Bento, Patrícia da Silva, Pedro Zegre Penim e com Cláudio Fernandes, Odete Ferreira, João Abreu, Mafalda Banquart, Óscar Silva, Rafaela Jacinto, Sara Leite e Xana Novais
Desenho de luz | Daniel Worm D’Assumpção
Música original e desenho de som | Miguel Lucas Mendes
Cenografia | Bárbara Falcão Fernandes
Figurinos | Joana Barrios e Mestre Costureira Rosário Balbi
Fotografia | Alípio Padilha
Direcção de produção | Bruno Reis, Andreia Carneiro
Assistente de produção | Alexandra Baião
Produção executiva | Bernardo de Lacerda
Co-produção | Teatro Praga, Centro Cultural de Belém, Teatro Nacional São João e Teatro Viriato
Residência artística e antestreia | 23 Milhas – Casa Cultura Ílhavo

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Duração | 2h10
M/16

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2016 | ZULULUZU

Espetáculo a partir da vida e obra de Fernando Pessoa.

A vida é o que fazemos dela. As viagens são os viajantes. O que vemos não é o que vemos, senão o que somos.
Fernando Pessoa, “Livro do Desassossego”

Este espetáculo faz uso de um episódio relativamente obscuro da vida de Fernando Pessoa: a sua chegada a Durban, África do Sul, em 1896, cidade onde passou os primeiros anos da vida. ZULULUZU é o neologismo que enquadra esta passagem, dando voz a dois lugares-comuns: uma ideia de Portugal e uma ideia da África do Sul.
O Teatro Praga tira partido da cooperação entre estes dois clichês culturais para atacar uma instituição teatral, a caixa preta. Em ZULULUZU, o edifício teatral é utilizado como bode expiatório para um discurso contra todos os discursos que reclama um espaço para aqueles que são deixados de fora, as histórias e personagens esquecidas, as vítimas do “é assim que as coisas são” ou os que são invisíveis em frente a uma parede preta. O espetáculo apropria-se do vocabulário da teoria pós-estrutralista, feminista e de género e aplica-a à sua própria vida. Não é nisto um espetáculo contra a caixa preta, antes propõe que se reconheça o edifício, exigindo visibilidade para a sua arquitetura e normatividade e, em último caso, para o próprio ZULULUZU, um espetáculo a partir da vida e obra de Fernando Pessoa.

ZULULUZU anuncia o fim do “apartheid” das ideias, géneros e formas, e é uma estranha declaração de queerismo, um manifesto a favor de um objeto imaterial, um espetáculo que não veio para ficar e onde o exotismo dá lugar ao endotismo. Se “tenho em mim todos os sonhos do mundo”, como escreveu Pessoa, ZULULUZU quer todo o mundo e a sua infinitude.

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Texto e direção | Pedro Zegre Penim, José Maria Vieira Mendes e André e. Teodósio
Com | André e. Teodósio, Cláudia Jardim, Diogo Bento, Jenny Larrue, Joana Barrios, Maryne Lanaro, Gonçalo Pereira Valves, Pedro Zegre Penim
Cenografia | João Pedro Vale & Nuno Alexandre Ferreira
Figurinos | Joana Barrios [o figurino de André e. Teodósio na cena Nympha Negra é da autoria de Mariana Sá Nogueira e gentilmente cedido pelo Teatro Cão Solteiro]
Mestre costureira | Rosário Balbi
Música original | Xinobi
Luz | Daniel Worm d’Assumpção
Som | Sérgio Henriques
Produção | Bruno Reis
Produção executiva | Sara Garrinhas
Comunicação | Clara Antunes
Fotografia | Alípio Padilha
Agradecimentos | Aida Tavares, Alexandra Pinho, Alex D’Alva Teixeira, Ana Brito, Ana Carina Paulino, Ana Lúcia Cruz, André Godinho, António Mega Ferreira, António Gouveia, Aviva Obst, Calixto Neto, Carlos Pinto, Catarina Homem Marques, Chloé Siganos, Christophe Lemaire, Clara Riso, Companhia Nacional de Bailado, Cristina Correia, Cristina Piedade, Damaris Muga, Diana Lopes, Ela, Elisabete Azevedo, Giftor Neville, James Muriuki, Joana Gomes Cardoso, João Macdonald, Jody Paulsen, Maria João Sigalho, Mariana Sá Nogueira, Mark Lowen, Marta Neves, Nelson André / Traços Interiores, Patrícia Azevedo, Patrícia da Silva, Paula Nascimento, Paulo André, Paula Sá Nogueira, Paulo Pascoal, Pedro Rapoula, Rosário Balbi, Rui Horta, Rui Tavares, Sébastien Capouet, Selin Gerit, Simore, Sónia Baptista, Syowia Kyambi, Teatro Cão Solteiro, Tiago Bartolomeu Costa, Tiago Coelho, e um obrigado infinito aos nossos co-produtores, directores de Teatros e Festivais, apoios e criativos que integraram este processo; às nossas famílias, ao Richard Zenith, ao João dos Santos Martins, e à Luísa Taveira
Co-produção | Teatro Praga, São Luiz Teatro Municipal (Lisboa), Théâtre de la Ville (Paris), ÍKSV – Ístanbul Tiyatro Festivali (Istambul), Teatro Municipal do Porto – Rivoli (Porto), Casa Fernando Pessoa (Lisboa), Institut Français au Portugal
Apoio estreia | ÍKSV Camões – Instituto da Cooperação e da Língua, Embaixada de Portugal na Turquia
Apoio à residência artística | O Espaço do Tempo, Teatro Municipal Curvo Semedo – Câmara Municipal de Montemor-o-Novo, Pólo Cultural das Gaivotas | Boavista

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Espetáculo falado em Português, Zulu, Inglês, Francês, Alemão e Castelhano, legendado em Português / Inglês / Francês mediante local de apresentação.

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Duração | 75min
M/12

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2015 | I AM EUROPE

I’m a dog shit ashtray
I’m a shrugging moustache, wearing a Speedo tuxedo
I’m a movie with no plot, written in the backseat of a piss-powered taxi
I’m an imperial armpit, sweating Chianti
I’m a toilet with no seat, flushing tradition down
I’m socialist lingerie, I’m diplomatic techno
I’m gay pastry and racist cappuccino
I’m an army on holiday in a guillotine museum
I’m a painting made of hair on a nudist beach eating McDonald’s
I’m a novel far too long
I’m a sentimental song
I’m a yellow tooth waltzing with wraparound shades on.
Who am I?
I am Europe.
Chilly Gonzales

I AM EUROPE [Eu Sou a Europa] é um ciclo constituído por três espetáculos diferentes que, inicialmente, não foram pensados como uma trilogia. Foi só durante os ensaios do último espetáculo, Tear Gas [Gás Lacrimogénio], que os três espetáculos revelaram uma partilha de dinâmica e energia. Decidi chamar-lhes I AM EUROPE, o título de uma canção de Chilly Gonzales que alcança aquilo que procurei criar com este ciclo: criar e expor uma identidade que se encontra a meio caminho entre o rótulo (questionável) da “tradição Judaico-Cristã” europeia e a minha própria biografia.
Este é um processo recorrente no meu trabalho: o canalizar da tensão entre aquilo que é universal e o que é doméstico, entre o mistério e a razão (para George Steiner, a Europa é um Conto de Duas Cidades que convoca «a tensão entre os gregos e os judeus», a tensão entre os legados de Atenas e de Jerusalém).
I AM EUROPE é a representação de um mapa antropomórfico da Europa a três ritmos.

Tear Gas (2015)
Israel (2011)
Eurovision (2005)

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2015 | TEAR GAS

My my! At Waterloo Napoleon did surrender.
Oh yeah! And I have met my destiny in quite a similar way.
Abba

Para George Steiner, a «ideia da Europa» é um «conto de duas cidades». Atenas e Jerusalém. Passando pelo «melhor dos tempos» e pelo «pior dos tempos», os imperativos da razão da nossa herança grega e os imperativos da fé e da revelação proclamados na Tora confluem num tronco comum (Um só europeu? Um herói?). Esta trilogia completa-se na Grécia, um lugar que comecei a visitar no auge dos conflitos causados pela crise económica e social. Não fui lá para me comprazer no Turismo do Infortúnio, nem estou a tentar criar um teatro sociopolítico. Fui a Atenas para chorar. Fui a Atenas para me encontrar, voluntariamente, com os gases lacrimogéneos.

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Texto | Pedro Zegre Penim
Interpretação | Cláudia Jardim, João Duarte Costa, Pedro Zegre Penim
Direção musical e piano | João Paulo Soares
Coreografia | Sónia Baptista
Desenho de luz | Daniel Worm d’Assumpção
Caracterização | Jorge Bragada
Guarda-roupa | Rosário Balbi
Fotografia | Alípio Padilha
Vídeo | André Godinho
Produção | Cristina Correia, Elisabete Fragoso
Co-produção | Culturgest

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Duração | 1h20
M/12

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2015 | O NOME DA ROSA

Uma maratona teatral.

A Rosa Mota é uma figura que acompanha toda a minha infância e adolescência. Lembro-me claramente de ver, pela televisão, as suas participações medalhadas nas Maratonas Olímpicas de Los Angeles [1984] e Seul [1988] e de sentir, através das reações eufóricas dos adultos, o entusiasmo patriótico “pela Rosa”. Acredito que o patriotismo no pós 25 de Abril começa a reconstruir-se e a regenerar-se à volta de figuras com projeção internacional como a Rosa ou o Fernando Gomes.

Outro eixo importante é a palavra META, que, em português, designa o fim da corrida mas que é também a palavra grega da auto-referencialidade, do conceito sobre o próprio conceito. Quis ligar esse lugar do universo desportivo da Rosa a um lugar do meu universo criativo: um sintoma da criação artística mais recente que é o cansaço da meta (da metalinguagem, claro).

O título do espetáculo refere-se ao romance do Umberto Eco que foi adaptado para o cinema. No último capítulo do livro, Adso, um ancião, olha para o seu passado e chega à conclusão que todas as memórias e recordações que estimamos só nos lembram coisas que perdemos e que já não existem. E ilustra este pensamento com um provérbio em latim: stat rosa pristina nomine, nomina nuda tenemus, e que significa: a rosa antiga permanece no nome, nada temos além dos nomes.

O espetáculo também pretende olhar para o passado da Rosa, para a sua vitória quase iniciática em Atenas, mas fazer desse momento e desse passado glorioso um caminho para a abertura de significados no presente, no momento do espetáculo. Nunca se trata de uma biografia narrativa e linear. É uma Rosa dentro de uma Rosa dentro de uma Rosa, que no fim corta a Meta.

Pedro Zegre Penim

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Texto | Pedro Zegre Penim e Hugo van der Ding
Interpretação | Rosa Mota, Mariana Magalhães, Pedro Zegre Penim, Hugo van der Ding, Joana Magalhães, Mafalda Banquart, Xana Novais e Luísa Osório
Luz | Rui Monteiro
Vídeo | Jorge Quintela
Fotografia | José Caldeira
Produção Teatro Praga | Elisabete Fragoso
Co-produção | Teatro Praga / Teatro Municipal do Porto – Rivoli

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Duração | 90min
M/12

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2014 | TABUROPA

O projeto de cooperação internacional TABUROPA, apoiado pelo Programa Cultura da União Europeia, convidou 4 companhias de Portugal, Alemanha, Bélgica e Polónia a explorar a expressão do Tabu nas culturas nacionais e europeia ao longo de 18 meses.

Durante a Research Phase, os intérpretes portugueses trabalharam sob a orientação do coreógrafo Arco Renz (kobalt.works, Bélgica) em Varsóvia, enquanto André e. Teodósio (Teatro Praga) dirigiu os intérpretes da companhia alemã futur-3 em Bruxelas. Os resultados deste processo foram explorados durante a Rehearsal Phase, em que os quatro grupos preparam as performances originais que tiveram a sua estreia absoluta em maio de 2014, no Festival Sommerblut em Colónia.

Na Coming Home Phase, o Teatro Praga produziu as reposições de INCUBADORA, de Arco Renz com o grupo português, na Galeria Quadrum em Lisboa, em dezembro de 2014, e de SHHHHHHHOW, de André e. Teodósio com os intérpretes da companhia futur-3 e a convidada Paula Sá Nogueira, no Goethe Institut em Lisboa em março de 2015, bem como a reunião de balanço que encerrou este projeto.

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Instituições participantes | Teatro Praga, Kobalt Works, Futur-3, Association of Culture Practitioners
Mais informações aqui

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FASES DE TRABALHO

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EINTOPF

Pertencer. Ser Identificado. Definido. Substituído. Reidentificado. Redefinido. As nossas histórias. Serão nossas? Ou estarão imersas nas histórias das nossas nações? Quem somos? Aqui nesta Europa da União Europeia. No tempo do politicamente correto e de um mundo de união e coexistência, como nos relacionamos connosco e com os outros? Existirão limites? Do que é que não queremos falar? O que preferimos não ver? Esta performance tentará investigar o nosso conceito de coexistência e capacidade para coabitar. Quatro bailarinos com nacionalidades e experiências diferentes exploram através do movimento e da palavra as ideias de identidade e pertença ao mesmo tempo que desafiam as regras do teatro questionando a identidade do público e de si próprios.

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Direcção | Agnieszka Blonska (Association of Culture Practitioners)
Intérpretação | Angel Kaba, Marielle Morales, Sayaka Kaiwa, Igor Shyshko (kobalt.works)
País de pesquisa | Alemanha

INCUBADORA

A performance investiga conflitos entre o indivíduo e o grupo, coloridas tensões internas que se manifestam através do corpo. Os tabus dependem em grande medida do contexto social e cultural a que pertencem. Em vez de tentar representar essas dependências, a pesquisa no âmbito do TABUROPA levou-nos a trabalhar com “tabus” como experiências fisiológicas humanas num laboratório experimental. O título refere-se a esta situação, bem como ao espaço e processos de troca entre a mente e o corpo.

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Direcção | Arco Renz (kobalt.works)
Intérpretação | Rita Morais, Nuno Leão, Ricardo Teixeira, Sónia Baptista (Teatro Praga)
País de pesquisa | Polónia

NO RETURN

Durante a fase de pesquisa em Lisboa, André Erlen e a sua equipa sentiu-se confrontada com a excitante questão da origem da identidade nacional. A época de ouro dos descobrimentos, futebol e fátima, o império colonial, o catolicismo, a saudade e o fado: as motivação que levam à construção de uma identidade são  como um caleidoscópio, consistindo nos nossos valores e nos nossos tabus: “ Não é suposto questionar a grandiosidade da história do nosso país”. “ Quando as antigas imagens se começam a esfumar é preciso destruir os tabus antigos e os mitos deverão ser enterrados. A performance “ No Return”, cujo nome tem origem na palavra retornado, tenta que este processos invísiveis se tornem visíveis.

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Direcção | André Erlen (Futur3)
Intérpretação | Dominika Biernat, Dawid Żakowski, Sean Palmer, Joanna Wichowska (Association of Culture Practitioners)
País de pesquisa | Portugal

SHHHHHHHOW

No sétimo dia da pesquisa em Bruxelas André Teodósio ergueu-se e disse: “Faça-se luz.” E a sua cabeça na escuridão foi imediatamente dividida em duas: a Prometeica emergiu. E com ela, ele e o seu grupo tentaram entender a diferença entre a árvore do conhecimento e a árvore da vida, entre o que é proíbido e o que não é. O “fazer” e “não fazer” na primeira infância como uma práctica que introduz os tabus transversais à sociedade – esta é a chave da encenação do director português André e. Teodósio.

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Direcção | André Teodósio (Teatro Praga)
Intérpretação | Anja Jazeschann, Bernd Rehse, Tomasso Tessitori, Pietro Micci (Futur3)
País de pesquisa | Bélgica
Direcção artística | André Erlen
Fotografia | Meyer Originals
Produção | Sommerblut Kulturfestival e.V.
Direcção de projecto | Gregor Leschig, Rolf Emmerich
Direcção de produção | Armin Leoni, Judith Heese
Direcção de produção da Polónia | Anna Katarzyna Regulska-Lokanga, Joanna Wichowska, Magdalena Sobolewska
Direcção de produção da Bélgica | Ine Vander Elst
Direcção de produção de Portugal | Elisabete Fragoso

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2014 | TROPA-FANDANGA

A estrutura cerrada do Teatro de Revista é utilizada pelo Teatro Praga para comemorar duas efemérides coincidentes e separadas por várias décadas: os 40 anos do fim da Guerra Colonial e os 100 anos do início da Primeira Guerra Mundial. Depois da estreia em 2014, no Teatro Nacional D. Maria II, o Teatro Praga repõe este espectáculo, obrigando-se a seguir o princípio de actualização permanente imposto pelo Teatro de Revista, de modo a estar mais próximo dos dias em que acontece.
Apresentados nos teatros de feira de Paris, em princípios do Séc. XVIII, os primeiros espectáculos de revista consistiam numa revisão burlesca e caricata de acontecimentos e figuras que se tinham destacado nos doze meses anteriores. É este o modelo que se acha importado em Portugal, a partir dos anos 50 do século XIX. Da Regeneração de 1851 à Revolução de 1974, é possível seguir a par e passo, através de rábulas e canções, a trajectória de um país.

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Textos | Pedro Zegre Penim, José Maria Vieira Mendes, André e. Teodósio, Cláudia Jardim, Diogo Bento, Diogo Lopes, Joana Barrios, Joana Manuel e João Duarte Costa
Direção | Pedro Zegre Penim, José Maria Vieira Mendes e André e. Teodósio
Interpretação | José Raposo, André e. Teodósio, Cláudia Jardim, Diogo Bento, Diogo Lopes, Filipa Cardoso, Joana Barrios, Joana Manuel e João Duarte Costa
Atração do fado | Filipa Cardoso
Corpo de baile | André Garcia, Jenny Larrue, Travis Walker e Vicente Trindade
Músicos | João Paulo Soares (piano), Vasco Sousa (baixo acústico, viola), Francisco Cardoso (bateria), Ruben da Luz (trombone), Maria João Cunha (acordéon), Tiago Morna (guitarra portuguesa)
Cenografia | José Capela
Telões | Barbara Says…, João Pedro Vale e Nuno Alexandre Ferreira, Pedro Lourenço e Vasco Araújo
Figurinos | Joana Barrios com trajes do espólio do TNDM II de Flávio Tomé e Cláudia Faria, Jasmim de Matos, Juan Soutullo, Octávio Clérigo e Rafaela Mapril e com figurinos da Marcha do Alto do Pina 2013 de Carlos Mendonça
Desenho de luz | Daniel Worm D´Assumpção
Som | Sérgio Henriques
Músicas originais | Sérgio Godinho
Orquestrações | João Paulo Soares
Coreografia | João dos Santos Martins
Assistente de encenação | Cátia Nunes
Assistente geral | Rita Morais
Coordenação props | Susana Pomba
Produção | Elisabete Fragoso e Catarina Mendes
Comunicação | Mafalda Carvalho
Fotografia | Susana Pomba
Co-produção | Teatro Nacional D. Maria II, Maison de la Culture de Bobigny – MC93
Co-apresentação | Teatro Municipal do Porto – Rivoli and Campo Alegre and São Luiz Teatro Municipal

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Duração | 2h45
M/12

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2013 | A TEMPESTADE

Em 2010 estreámos, neste auditório do CCB, Sonho de uma noite de verão a partir da peça homónima de Shakespeare e da semi-ópera de Henry Purcell, The Fairy Queen. The Tempest or The Enchanted Island é a outra obra composta por Purcell com ligações a uma peça de Shakespeare, neste caso servindo uma versão cómica da Tempestade que obteve enorme sucesso comercial durante os séculos XVII e XVIII. Da sua estreia chegou a seguinte impressão por parte de um espectador: “O teatro completamente cheio; o Rei e a Corte presentes: e a peça mais inocente que alguma vez vi.”

Partimos deste espectáculo perdido, e de todos os outros que existiram e não existiram, para nos lançarmos às tempestades. Com os mesmos recursos de Sonho de uma noite de verão (música, vídeo, atores, cantores, artistas plásticos…), mas dispostos de um outro modo, este musical, com música composta e arranjada, por Xinobi e Moullinex, sobre a partitura de Purcell, é uma continuação. A Tempestade segue então à deriva como uma ilha que é um barco, à procura do lugar desconhecido de onde partiu. À procura da cor justa (e não há justiça), à procura da câmara certa (e não há certezas), à procura de um outro espectáculo (e não há o outro), à procura da tempestade (quem?). Sem meio e sem meios. A procurar só porque sim.

É que a procura é tão falsa quanto o espectáculo ou o barco ou a ilha. É um espectáculo off (os ingleses dizem show off), areia para os olhos, uma experiência. E um pretexto para repetir tempestades. Embora não se saiba o que veio primeiro, se o pretexto se o resultado. Mas como A Tempestade inventa a sua própria crítica, a ordem é aleatória. Como tudo o resto. São acidentes. Como este texto que estão a ler agora aqui. Acidentes atrás de acidentes, frases atrás de frases a anunciar o seu conteúdo, a prometer o seu fim (aquele que não existe).

Já agora, se lhe perguntarem, diga que A Tempestade foi o espectáculo que não aconteceu, o discurso de um colectivo que não se sente confortável com a ideia de objecto na arte, para quem o espectáculos tem a utilidade de uma experiência cognitiva e não é mais que a oportunidade para curto-circuitar o mundo e os seus conteúdos. Diga que o que viu foi a descrição de um espectáculo sem o espectáculo original. É aquilo que eles sempre quiseram fazer e que continuam a não ser capazes de fazer. Pode dizer coisas assim. Ou não diga nada porque o espectáculo já disse tudo. Não se esqueça: o espectáculo acabou. O espectáculo não existe. Fim.

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Um espectáculo Teatro Praga
A partir de Shakespeare e de Purcell
Texto e criação | Pedro Penim, André e. Teodósio, J.M.Vieira Mendes
Música | Xinobi & Moullinex
Arranjos musicais | Carlos Clara Gomes
Com | Joana Barrios, Diogo Bento, André Godinho, Cláudia Jardim, Diogo Lopes, Patrícia da Silva, André e. Teodósio, Vicente Trindade, Daniel Worm d’Assumpção
Diretor vocal | Rui Baeta
Solistas | Rui Baeta (Barítono), Sandra Medeiros (I Soprano)
Coro | Ana Margarida Encarnação (II Soprano), Cristina Repas (Mezzo-soprano), João Francisco (Tenor)
Vídeo | André Godinho
Fotografia | Paulo Martins, Alípio Padilha
Cenografia | Bárbara Falcão Fernandes
Desenho de luz | Daniel Worm d’Assumpção
Coreografia | Vicente Trindade
Figurinos | Joana Barrios
Figurinos de época | António de Oliveira Pinto
Artistas convidados | Vasco Araújo, Catarina Campino, Javier Nuñez Gasco, João Pedro Vale
Equipa de vídeo | Joana Frazão, Salomé Lamas, Nuno Morão
Som | Jorge Imperial
Assistente de iluminação | Marta Fonseca
Produção | Elisabete Fragoso e Filipa Rolaça

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Duração | 100min

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2013 | TERCEIRA IDADE

Em Terceira Idade, de J.M. Vieira Mendes, os atores, antes de começarem, já se reformaram. Gente com passado, que apresenta rugas onde não as vemos. O horizonte mais próximo é a morte, mas a melancolia é comédia e o desespero gargalhada. Nesta peça de teatro a trama serve de pretexto para adensar o “Quem sou eu?” ou ainda “O que é isto de uma terceira idade?” Ou também: “Será que digo que sou velho porque sou velho ou sou velho porque digo que sou velho?”

Partindo deste texto, o Teatro Praga chegou a um espetáculo em que testa a sua terceira idade. Como será daqui a 40 anos? E na especulação da resposta acrescenta matéria a um conceito por abrir.

Terceira Idade é tempo e velhice, sabedoria e esquecimento, artroses e pilates. Mas também é hoje e foi ontem. É uma construção por fazer com palavras conhecidas. Uma inevitabilidade a preencher. Uma reinvenção dentro da invenção. Uma comunicação aos tropeções. É, finalmente, a possibilidade de dizer, com os corpos de agora e cabelo de futuro: Terceira idade é hoje e aqui.

Este espetáculo não inaugura uma nova idade. Limita-se a ser uma continuação. Estamos todos na mesma história. Estamos todos no mesmo barco.

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Texto | André e. Teodósio, Cláudia Jardim, Diogo Bento, Diogo Lopes, J.M. Vieira Mendes, Patrícia da Silva, Pedro Penim
Interpretação | Cláudia Jardim, Diogo Bento, Diogo Lopes, Patrícia da Silva, Pedro Penim
Desenho de luz | Daniel Worm d’Assumpção
Fotografia | Susana Pomba
Cenografia | Bárbara Falcão Fernandes
Produção | Elisabete Fragoso, Catarina Mendes
Co-produção | Teatro Viriato, Teatro Praga

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Duração | 55min
M/12

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2011 | SUSANA POMBA

What’s in a name? That which we call a rose
By any other name would smell as sweet.
Shakespeare, Romeu e Julieta

A História está cheia de nomes: Antígona, António e Cleópatra, Platonov, Hedda Gabler, Gianni Schicchi e por aí fora. Mera literatura ou terão sido em tempos organismos vitais, biologia?

Nunca os conheci e no entanto ocupam o meu condomínio cerebral. É lá que vivem. Domesticam-me. Levam vidas normais e são vizinhos de muitos e tantos nomes, todos eles arquitectos da minha subjectividade, tijolos do meu mundo.

Para que o tempo que passa e que arrasta consigo o esquecimento não saia a ganhar decidi registar os incógnitos, os meus, aqueles que não se sabe se ficarão para a História, mas que passarão a ter um bilhete de identidade e a pagar quotas.

Um amigo uma vez encorajou-me: “Mesmo sabendo que o tempo levará a melhor, não podemos deixar de julgar hoje.” Portanto, pelos anos que me restam, vou dedicar-me a este trabalho: transformar os meus amigos em protagonistas de coisas que ficaram por contar. Chamo-lhe TOP MODELS.

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Texto e encenação | André e. Teodósio / Teatro Praga
Interpretação | Joana Barrios, Diogo Bento, The End of Irony e PAUS
Cenografia | Bárbara Falcão Fernandes
Música | PAUS
Mixtape | Miguel Bonneville
Desenho de luz | Daniel Worm d’Assumpção
Fotografia | Susana Pomba
Produção | Cristina Correia
Co-Produção | Centro Cultural de Belém

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Length | 1h20
M/12

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2011 | EGOSISTEMA

Volo in te, et in semine tuo Imperium mihi stabilire.
Diz Cristo a D. Afonso Henriques, segundo Padre António Vieira

O CCB anda fora de si e convida-me para fazer um espectáculo. Fico a pensar e de repente apercebo-me que andamos todos fora de nós próprios.
Sugerem-me: – Wo Es war, soll Ich werden.
Tantos estrangeiros, tanta língua! 😛
O Mundo não é o que é… por isso vale a pena perder tempo para rever a matéria levando a cabo um jogo-espiral-vertiginoso: “Quem é quem?”.
Será como voltar aos anos 80 mas com menos laca.
EGOSISTEMA será um jogo redefinidor das leis da natureza.

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Texto e encenação | André e. Teodósio
Interpretação | André e. Teodósio, André Godinho, António Gouveia, Catarina Campino, Cláudia Jardim, Joana Manuel, João Martins, Patrícia Silva, Paula Sá Nogueira, Rita Só e Sara Correia
Cenografia | Bárbara Falcão Fernandes
Fotografia | Susana Pomba
Produção | Cristina Correia
Co-Produção | Centro Cultural de Belém, Teatro Praga

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2011 | ISRAEL

O amor é, sempre, uma página escrita em hebraico.
Provérbio Popular Português

Este espetáculo é uma carta de amor a Israel. Sim, trata-se de uma afirmação assumidamente problemática: uma declaração de amor a uma entidade que muitos consideram um monstro contemporâneo.

Um ator encontra-se sentado diante do seu computador, o seu rosto projetado num enorme ecrã. É difícil determinar com quem conversa, com tanta intimidade, a quem está a abusar verbalmente, quem o está a fazer chorar e rir. Será que fala com o público? Será que fala consigo próprio? Com um(a) amante? Estará a expor a sua complicada vida amorosa defronte dos nossos olhos? Israel, uma nação em forma de uma ficção, assume um rosto humano, como alguém que se tem de aturar.

Voltaire escreveu que é preciso escolher entre países onde se transpira e países onde se pensa. Em Israel (o país e o espetáculo) faz-se as duas coisas.

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Um espetáculo Teatro Praga

Texto | Pedro Zegre Penim
Criação e interpretação | Pedro Zegre Penim e Catarina Campino
Desenho de luz | Daniel Worm d’Assumpção
Produção | Cristina Correia, Elisabete Fragoso
Fotografia | José Frade
Co-produção | Teatro Maria Matos

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Duração | 80min
M/12

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2010 | OIL AIN’T ALL, JR

“O filme de guerra é o filme paradigmático dos dias de hoje. O Soldado Ryan do Spielberg, por exemplo, onde se representa o horror infinito, a carnificina e violência absurdas. A perspectiva de Spielberg é de que a guerra é um pesadelo incompreensível, um desperdício patético de vidas humanas. Mas o que me parece que não devemos perder de vista é que por detrás da Segunda Guerra Mundial, e da invasão do Dia D, estava o heroísmo de um objectivo e uma luta ética, e que há causas e ideais pelos quais vale a pena morrer. Isto reflecte, aliás, uma tendência bastante forte no discurso ideológico contemporâneo, a de considerar aqueles que estão dispostos a arriscar as suas vidas em nome de uma causa ou objectivo como fanáticos irracionais.

Pelo que estarias disposto a arriscar tudo?

É esta preocupação central dos westerns em geral – até que ponto é que terias coragem de arriscar a própria vida?

Por isso julgo que não devíamos de modo algum tratar o western como uma espécie de fundamentalismo ideológico americano. Pelo contrário, parece-me que precisamos hoje em dia cada vez mais de uma atitude heróica. Neste contexto, aquilo que deverá seguir-se à desconstrução e à aceitação da contingência radical não deve ser um cepticismo irónico universal, em que quando te empenhas em alguma coisa deves ter consciência de que nunca te estás a empenhar totalmente – não. Devemos sim reabilitar o sentido do empenho absoluto e da coragem de arriscar”

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Um espetáculo Teatro Praga

Texto | José Maria Vieira Mendes
Com | Cláudia Jardim, José Maria Vieira Mendes, Patrícia da Silva, Pedro Penim e Rodolfo Teixeira
Colaboração | Gabriel Abrantes
Assistência | Bárbara Falcão Fernandes e Joana Barrios
Iluminação | Daniel Worm d’Assumpção
Produção | Cristina Correia e Pedro Pires
Co-produção | Centro Cultural de Belém
Fotografia | Pedro Celestino

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Duração | 60min
M/12

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2010 | SONHO DE UMA NOITE DE VERÃO

Um espectáculo Teatro Praga com Os Músicos do Tejo

A partir do Sonho de Uma Noite de Verão de William Shakespeare
e de The Fairy Queen de Henry Purcell.

Para quê fazer teatro quando só se pensa no Verão e no Amor? Para quê a chatice do teatro quando só se pensa no Verão e no Amor? Para quê chatearmo-nos com as questões mais quentes quando só se pensa no Verão e no Amor? Para quê desinquietar as mentes? Para quê pretender a inscrição? Para quê dominar o léxico contemporâneo? Para quê tanta ironia e multi-referência? Para quê tantas horas passadas na internet com esperança de não largar o zeitgeist? Para quê tanto download? Para quê fazer inimigos ideológicos e estéticos? Para quê queimar pestanas a ler os benjamins do Badiou? Para quê ganhar rugas e cabelos brancos? Quando o que queremos é: Verão e Amor?
Sonho de uma noite de verão é para relaxar e “enjoyar”.
É estar sempre on, sem pensar nos que estão off. É ser tratado como um príncipe e adorar cada momento. É sentir a corrente passar e esqueceeeeeeeer-me de miiiiiiiim… É como dar um jantar em casa e evitar “certos temas” para que ninguém se aborreça e a conversa possa fluir imaculada. É como ir na auto-estrada para o Algarve, ar condicionado no máximo, musiquinha barroca no rádio, namorad@ ao lado a dar beijos no pescoço… e aí vão eles, a duzentos à hora rumo ao futuro onde lhes espera uma festa temática, um cocktail da moda e uma conta astronómica para pagar no Inverno.

Com a restauração da monarquia em 1660, Carlos II autorizou a formação de duas companhias de teatro para servi-lo a si próprio e ao seu irmão, o Duque de York. Foi a partir daqui, e influenciado pela corte de Luís XIV, que nasceu o teatro das máquinas, espectacular e exuberante, excessivo e megalómano. Uma história que tem em THE FAIRY QUEEN, de Henry Purcell, um magnífico epílogo. Partindo do SONHO DE UMA NOITE DE VERÃO, de Shakespeare, Purcell compõe música para um espectáculo cuja segunda versão, a de 1691-92, se encheu de efeitos especiais tão caros e extravagantes que apesar do seu sucesso terminou em fiasco financeiro. Fala-se de uma fonte de água gigantesca e de seis macacos a dançar.

Em SONHO DE UMA NOITE DE VERÃO, o Teatro Praga revive esses tempos. Uma comemoração festiva em busca da felicidade, uma homenagem ao poder ao som de Purcell e ao gosto da época, da nossa.

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“Sonho de Uma Noite de Verão” foi reencenado pelos alunos do Balleteatro em 2017, no Coliseu do Porto.

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Com | André e. Teodósio, Cláudia Jardim, Diogo Bento, Joana Barrios, Joana Manuel, Patrícia da Silva e Rodolfo Teixeira
Solistas | Ana Quintans (Soprano), Rossano Ghira (Contra-Tenor), João Sebastião (Tenor) e Nuno Dias (Baixo)
Coro Olisipo | Elsa Cortês  (Soprano), Luísa Tavares (Contralto – dia 3 de Julho), Lucinda Gerhard (Contralto – dia 4 de Julho), Diogo Cerdeira (Tenor), Armando Possante (Baixo)
Três fadas | Leonor Robert, Rafaela Albuquerque e Rita Fonseca
Equipa de filmagem | Carlos Eduardo, Cláudia Morais, Francisco Moreira, João Martins, Leonor Noivo, Nuno Morão e Tiago Oliveira
Artistas convidados | Ana Pérez-Quiroga, Catarina Campino, Javier Núñez Gasco, João Pedro Vale, Leo Ramos, Miguel Viegas, Rogério Nuno Costa, The End of Irony (Diogo Lopes, Ivo Silva, Miguel Cunha, Rita Morais e Ricardo Teixeira), Vasco Araújo e Vicente Trindade
Direcção musical | Marcos Magalhães
Realização vídeo | André Godinho
Design de luz | Daniel Worm d’Assumpção
Som | Ricardo Guerreiro
Cenários | Bárbara Falcão Fernandes
Casa | Filipe Carneiro (Triplinfinito)
Equipa de montagem | PréForma
Figurinos | Carla Cardoso
Produção | Bruno Coelho, Cristina Correia, Sara Maurício
Assistência | José Nunes
Músicos do Tejo | Álvaro Pinto (Violino-concertino), Xu Na (Violino I), Raquel Cravino (Violino I), Denys Stetsenko (Violino II), Zófia Pajak (Violino II), Raquel Massadas (Viola), Lúcio Studer (Viola), Paulo Gaio Lima (Violoncelo), Xurxo Varela (Viola da Gamba), Filipa Meneses (Viola da Gamba), Duncan Fox (Violone), Carolino Carreira (Fagote), Luís Marques (Oboé I), Andreia Carvalho (Oboé II), António Quítalo (Trompete I), Bruno Fernandes (Trompete II), Hugo Sanches (Teorba), Ricardo Leitão Pedro (Teorba), Joaquim Lopes (Percussão), Marta Araújo (Cravo I), Marcos Magalhães (Cravo II)
Fotografia | Alípio Padilha

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Duração | 2h20
M/6

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2009 | DEMO

Uma encomenda do São Luiz Teatro Municipal.

Este espectáculo apareceu por convite do São Luiz Teatro Municipal. Falou  o Teatro da Índia, falou a Praga de um musical. E acertaram-se os interesses. É um musical “de inspiração indiana”, mas onde a Índia ficou já não sabemos. Talvez na mitologia genesíaca que nos foi confundindo (sogra de um e mulher de outro, casada com tios e filha de sobrinhos), na multiplicação de braços de uma deusa, na diferenciação de classes, na dimensão da democracia (parece que a maior patenteada), no excesso e na suposta loucura da sobrepovoação. A Índia acha-se na forma do espectáculo e não registada, como num retrato ou documentário. Não estivemos “lá”. Não. Não falámos com “eles”. Não.

Este espectáculo apareceu por convite do São Luiz Teatro Municipal. Falou o Teatro da Índia, falou a Praga de um musical. E acertaram-se os interesses. É um musical “de inspiração indiana”, mas onde a Índia ficou já não sabemos. Talvez na mitologia genesíaca que nos foi confundindo (sogra de um e mulher de outro, casada com tios e filha de sobrinhos), na multiplicação de braços de uma deusa, na diferenciação de classes, na dimensão da democracia (parece que a maior patenteada), no excesso e na suposta loucura da sobrepovoação. A Índia acha-se na forma do espectáculo e não registada, como num retrato ou documentário. Não estivemos lá. Não. Não falámos com “eles”. Não.

A Índia serviu para ler a Europa. O “outro” para nos vermos a nós próprios, método antigo, lugar comum que empurrou muita viagem. Lemos Moravia e Pasolini e não Tagore, vimos Fritz Lang e não Ray. Treslemos a Índia, ouvimos com interferência, muito parcialmente, sem antropologias nem história, fomos à procura do que queríamos para fazer um musical.

Chamamos-lhe “de inspiração indiana”, mas onde a Índia ficou já não sabemos.

Demo tem uma narrativa. É uma história de amor. Não a contamos muito bem, porque já lá vai o tempo em que isso se fazia. E depois porque também não é possível contar bem quando não se sabe muito bem o que se está a contar. Conseguimos, felizmente, confundir. Misturamos a Estónia com a Islândia, a Bulgária com Espanha, o inglês com o alemão e achamo-nos a ler ciclos, aqueles eternos que se repetem: solução, falhanço, solução, falhanço.

Mas há uma protagonista. Baptizámo-la de Savitri. Vem das águas onde moram os crocodilos. E propõe, desculpem, impõe uma ordem. Talvez tudo não passe de uma vontade política, de um sonho megalómano e demoníaco. Ou de uma viagem: “No Céu temos as nossas Índias, chegar ali é salvar-se, que naveguemos todos é preciso.” (Padre Manuel Bernardes, Os últimos dias do homem.)

Construímos o espectáculo a partir de fragmentos e completamo-lo com a música dos americanos Kevin Blechdom e Christopher Fleeger, e do estónio Andres Lõo. Embrulhámos questões filosóficas, éticas, sociais e culturais em chansons-papel-de-rebuçado. O rebuçado é para todos: colorido e agradável ao paladar, mas duro de trincar e letal para a dentição. É democrático, demente e demolidor.

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Um espectáculo Teatro Praga com música original de Kevin Blechdom, Christopher Fleeger e Andres Lõo
Com | André e. Teodósio, André Godinho, Andres Lõo, Carlos António, Christopher Fleeger, Cláudia Jardim, Joana Barrios, Joana Manuel, Kevin Blechdom, Luís Madureira, Miguel Bonneville, Patrícia da Silva, Pedro Penim e Rita Só
Participação especial | Rão Kyao
E a colaboração de Vasco Araújo
Crocodilos | André Campino, Diogo Bento e mulher bala
Desenho de luz e Direcção técnica | Daniel Worm d’Assumpção
Vídeo | André Godinho
Apoio vocal | Luís Madureira
Apoio coreográfico | João Galante
Figurino Nora Nova | Fernanda Pereira
Figurino Ilse Koch | João Figueira Nogueira
Execução de figurinos | Mestra costureira Teresa Louro e Rosário Balbi
Execução da cabeça de Tim O’ Leary | Jorge Bragada
Fotografia | Susana Pomba
Produção | Cristina Correia, Joana Gusmão e Pedro Pires
Co-produção | São Luiz Teatro Municipal, Teatro Praga
Apoio | O Espaço do Tempo, DEVIR, O Rumo do Fumo, Goethe-Institut Portugal

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Duração | 1h40
M/12

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2009 | PADAM PADAM

Um Espectáculo Catástrofe.

Padam Padam é um espectáculo provavelmente inspirado no cinema catástrofe e interessou-se por recordar o ano zero. É também um espectáculo dedicado aos animais. E às tempestades. Um espectáculo que está a pensar como é que vai ser. Como é que pode ser. Procurar novas doenças porque afinal de contas, se a pessoa onde se multiplicam as diferentes bactérias e vírus se sente mal, por outro lado as ditas bactérias e vírus sentem-se admiravelmente bem.

Comecemos então pelo meio: Padam Padam é um espectáculo catástrofe. Roubámos o nome aos filmes que ficcionam o fim do mundo ou a visita do monstro ou a invasão do extraterrestre. Apoiámo-nos numa hipotética estrutura, fantasmas de argumentos cinematográficos, mas não vamos além de cinco pessoas encaixadas num espaço exíguo onde se expõem às intempéries e experimentam ideias como a família ou a comunidade, as palavras e os nomes, mas também certos amores, utopias e viagens.

Para ajudar a “imprensa escrita”, podíamos dizer que contamos de um dia de sol em que uma família resolve partir de fim-de-semana. Uma família irrequieta e inconsistente. E à medida que o dia avança, as nuvens negras aproximam-se, os temporais soltam-se e há meteoritos a abalroar as estruturas do planeta. Os sobreviventes, a família que partiu de manhã, ficam a vaguear no deserto de ruínas e cadáveres. Uns procurando as velhas rotinas, outros apostando em novas ideias.

Padam Padam é um espectáculo dedicado aos animais. Um espectáculo que está a pensar como é que vai ser. Como é que pode ser. Procurar novas doenças porque afinal de contas, se a pessoa onde se multiplicam as diferentes bactérias e vírus se sente mal, por outro lado as ditas bactérias e vírus sentem-se admiravelmente bem.

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Um espectáculo Teatro Praga

Texto | José Maria Vieira Mendes
Com | Cláudia Jardim, Diogo Bento, Marcello Urgeghe, Patrícia da Silva e Pedro Penim
Narrador | Luís Miguel Cintra
Colaboração | Vasco Araújo
Desenho de luz e direcção técnica | Daniel Worm d’Assumpção
Vídeo | André Godinho
Imagem gráfica (Cartaz) | mulher bala
Professora de valsa | Paula Fonseca
Produção | Cristina Correia, Joana Gusmão e Pedro Pires
Apoio à cenografia | João Gonçalves
Equipa de montagem | PréForma
Co-produção | Centro Cultural de Belém, Próspero
Estruturas associadas | Théâtre National de Bretagne (Rennes, França), Théâtre De La Place (Liège, Bélgica), Emilia Romagna Teatro Fondazione (Modena, Itália); Schaubühne am Lehniner Platz (Berlim, Alemanha), Universidade de Tampere (Tampere, Finlândia)
Apoio | Teatro Viriato, O Espaço do Tempo

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Duração | 90min
M/12

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2008 | TURBO-FOLK

Uma encomenda do São Luiz Teatro Municipal no âmbito do ciclo “Outras Lisboas”.

Servindo o ciclo “Outras Lisboas” do Teatro São Luiz para uma reflexão sobre a imigração em Lisboa, e tendo sido atribuído ao Teatro Praga a especificidade dos imigrantes do Leste, Turbo-Folk (título derivado do conceito musical sérvio inventado por Rambo Amadeus que denomina um estilo de música tradicional com um “up-rooting pop”) surge como espectáculo comunitário inevitável que, na senda dos Persas de Ésquilo, (des)congela as relações Leste e Far Oeste i.e. aquelas velhas questões, outrora conscientemente desvalorizadas, regressam com toda a força do Zeitgeist. Com os dados do “outro lado”.

CRIME A RIVER

“(…) que disse querer simplesmente elogiar Carlos Fino pelo facto de, nas suas reportagens de Guerra, transparecer sempre um extraordinário respeito e compreensão pela cultura que está do “outro lado”. Lembrei-me logo que talvez a tragédia “Persas” de Ésquilo fosse do agrado de Carlos Fino (arrisco esta opinião sem o conhecer).”

Frederico Lourenço

O espectáculo Turbo-Folk é a terceira parte de uma trilogia épica sobre o “Poder Estético”*, iniciada com o espectáculo Discotheater* [Festival Alkantara] a que se seguiu O Avarento ou A última festa [T.N.S.J.]. **

Turbo-Folk comete um atentado: uma redefinição política através da estética. Tal como a imigração é um problema sério a resolver a nível político, ela é também uma boa metáfora para muitas outras questões inerentes ao acto de comunicação e de partilha em comunidade, os desejos e problemas no relacionamento dos seres humanos uns com os outros. O governarmo-nos.

Não basta apontar o dedo a políticas, não basta embelezar a condição de imigração atribuindo-a como categoria comum a todos os indivíduos, não basta sair à rua imolado, não basta dizer que o problema habita “o outro”, pois o ser humano está sempre a um passo de cair no abismo, no tal tapete persa esquiliano.

Assim sendo, Turbo-Folk é uma revolução dos sem parte, entre um percussionista estónio semi-perdido e um show a solo de uma cantora lírica ucraniana.

Turbo-Folk é uma festa de imigrantes.

Em Turbo-Folk é a performatividade que conta, não o objecto (já agora, a troika performativa é: Jean-Luc Godard, Rambo Amadeus e Slavoj Žižek).

Em Turbo-Folk um “homo faber aestheticus” anda contente à deriva num qualquer rio sangrento.

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Um espectáculo Teatro Praga
Com | Ana Só, André e. Teodósio, Andres Lõo, Cláudia Jardim, Diogo Bento, Inês Vaz, Patrícia da Silva e Pedro Penim
Cantoras | Larissa Savchenko e Luiza Dedicin
Colaboração | André Godinho, Catarina Campino, Javier Núñez Gasco, José Maria Vieira Mendes, Rogério Nuno Costa e Vasco Araújo
3 dentes de ouro vestidos por | Mariana Sá Nogueira
Design de luz | Daniel Worm d’Assumpção
Apoio à cenografia | João Gonçalves
Produção | Joana Gusmão e Pedro Pires
Co-Produção | São Luiz Teatro Municipal, Teatro Praga
Fotografias promocionais | Steve Stoer
Grafitter | Rodrigo Craveiro

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Length | 90min
M/12

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2008 | PÚBLICO-ALVO

Pára de me puxar a trela, sua besta, que eu enterro os meus dentes na tua perna.
em Dog, de Steven Berkoff

Se o “retorno à Natureza” nunca foi possível, não vale a pena fingir que umas vezes estamos ao ar livre e outras não. Celebremos então, uma vez mais, o terreno que os homens pisam, na senda dos madeireiros pouco amáveis da Amazónia, dos implacáveis arpoeiros islandeses ou dos resistentes habitantes dos Países Baixos, e façamos mais uma missa em honra do Dr. Frankenstein (o novo Dionísio) porque “Deus dá nozes, mas não as parte”.

Simulemos, num espaço a meio caminho entre o aeroporto, a estação e o estádio, a mítica (porque extinta) luta entre Physis e Anthropos, entre a Natureza e o Homem.

Os actores estão escolhidos. O desastre é inevitável. O público-alvo que se atreva a aparecer.

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Co-criação | André e. Teodósio, Cláudia Jardim, José Maria Vieira Mendes, Patrícia da Silva e Pedro Penim
Produção e promoção | FIMP, Pedro Pires e Joana Gusmão (Teatro Praga)
Luz e música | Teatro Praga
Fotografia | Susana Neves

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2008 | CONSERVATÓRIO

Got to write a classic
Got to write it in an attic
Adrian Gurvitz, Classic

Fazer um espectáculo conservador, fazer-nos clássicos, dar à luz um monstro, impor uma identidade, construir uma estufa onde isto se guarda e se mostra, paredes fechadas, sala climatizada sem perigo de contágio, coisa só nossa, plantas para os outros verem. Um interior absoluto, confortável, conservador e devidamente decorado, suficientemente grande para cabermos todos. Ou quase. Mas e depois? O que acontece quando transborda? Ficas ou vais? Pertences ou não pertences? O teu palácio é igual ao meu?

O ponto de partida para este espectáculo surge de um texto de Peter Sloterdijk que aborda a alegoria “cavernosa” da estufa: “conservatory”, em inglês, é também sinónimo de estufa, um lugar onde conservamos qualquer coisa que desejamos preservar.

Se o “conservatório” é um lugar onde objectos e seres vivos se podem conservar e sobreviver, distantes de todas as alterações e mudanças (excepto da velhice e dos seus resultados naturais), o nosso Conservatório é um lugar onde textos e actores se podem conservar e sobreviver, distantes de todas as alterações e mudanças (excepto da velhice e dos seus resultados naturais).

Se um “conservatório” pode tornar-se uma organização evoluída, sob a forma de um estabelecimento público ou privado, destinado a salvaguardar e a promover o ensinamento de valores culturais como a música, a dança, o teatro, ou de outros saberes como as técnicas de certos métiers, o nosso Conservatório tenta ser uma organização que se deixa evoluir, sob a forma de um espaço semi-público/semi-privado, destinado a salvaguardar e a promover os ensinamentos do Teatro.

O termo conservatório é maioritariamente usado para designar um fenómeno artificial de protecção, mas é igualmente aplicado para designar um contexto natural, espontâneo, que consegue preencher sem intervenção antrópica, uma função de preservação – tome-se em consideração este exemplo: o isolamento de uma ilha durante a deriva dos continentes pode criar um “conservatório” natural de espécies vivas. Assim sendo, Conservatório é um espectáculo, resultado natural da deriva do teatro, que tenta criar um conservatório natural de espécies.

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Um espectáculo Teatro Praga
Com | André e. Teodósio, Cláudia Jardim, Joana Barrios, Patrícia da Silva, Pedro Penim e Simão Cayatte
Desenho de luz | Daniel Worm d’Assumpção
Produção | Joana Gusmão e Pedro Pires
Co-produção | Festival Alkantara
Apoio | Espaço do Tempo, DEVIR

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Duração | 90min

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2007 | HAMLET SOU EU

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Concepção geral | Cláudia Jardim, Diogo Bento e Pedro Penim
Interpretação | Cláudia Jardim, Diogo Bento
Apoio dramatúrgico | Maria João da Rocha Afonso
Produção executiva | Alexandra Baião
Direcção de produção | Andreia Carneiro
Fotografia | Alípio Padilha
Encomenda | Teatro Maria Matos
Co-produção | Teatro Maria Matos, Teatro Praga

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Duração | 60min
M/6

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2007 | O AVARENTO OU A ÚLTIMA FESTA

Comédia em cinco actos.

Um novo Avarento de José Maria Vieira Mendes: revisitação de um texto de 1668, na perspectiva do conflito entre duas gerações, no qual Molière serve apenas para o esqueleto: o autor parte a estrutura original e deixa buracos, fracturas, peças soltas, mistura linguagens e estilos, para realizar uma reflexão sobre o conflito entre a geração pós-25 de Abril e a geração dos pais dela. Uma nova versão da peça, livre e esquiva, ou a escrita daquilo que se gostaria de ler já na obra original.

Neste Avarento – possível palco para infinitas e histéricas afirmações políticas e estéticas como a distribuição do poder dentro de uma mesma geração (a do “Jonas” que fez 25 anos no ano 2000), a vigilância panóptica das cidades contemporâneas (disciplina e mutilação), velhos vs. novos, a ausência de mãe, os perigos de um mundo calculista, o poder transcendental vs. normas cartesianas sociais, a redução do humano a um valor monetário + quantificação como conhecimento, a casa como representação da economia moderna e blá blá blá – renegámos qualquer possível leitura linear, e tentámos desconstruir e “meter-a-pata” no texto o menos possível. Isto pode ser visto (pelos que nos conhecem ou pelos que têm algumas expectativas) como uma espertalhona/pouco inovadora manoeuvre classicista representação vs. apresentação). Neste caso diremos, na senda viriliana, que é uma questão de perspectiva.

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Texto | José Maria Vieira Mendes, a partir de O Avarento (L’Avare, 1668), de Molière
Co-criação de | André e. Teodósio, Cláudia Jardim, José Maria Vieira Mendes, Marcello Urgeghe, Martim Pedroso, Patrícia da Silva, Paula Diogo, Pedro Penim, Rogério Nuno Costa, Romeu Runa e Sofia Ferrão
Com | André e. Teodósio, Cláudia Jardim, Marcello Urgeghe, Patrícia da Silva, Paula Diogo, Pedro Penim, Rogério Nuno Costa e Romeu Runa
Desenho de luz | Daniel Worm d’Assumpção
Produção | Joana Gusmão e Pedro Pires
Co-produção | Teatro Nacional São João
Fotografia | João Tuna
Registo videográfico | André Godinho

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2006 | O QUARTETO

O que fica quando as ideologias morrem?

Um homem e uma mulher em jogos de sexudução. Um novo terrorismo – o das emoções – sem espaço mediático ou reuniões de concelhos de segurança mas onde também há atentados, reféns e usurpações. Aqui não há bons nem maus, há ligações que são perigosas.

Este espectáculo nasce daí, do construir a partir dos escombros de um terrorismo emocional.

O que fica quando as ideologias morrem? Quem manda? Quem quer mandar? A melhor maneira de encontrar a vítima é procurar alguém com sangue nas mãos. O sangue já não é a prova do crime, o assassino ataca de longe, friamente, enquanto as vítimas sujam as mãos para estancar a hemorragia.

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Co-criação | Cláudia Jardim e José Gonçalo Pais
Com | Cláudia Jardim e José Gonçalo Pais
Desenho de luz | Teatro Praga com a colaboração de Daniel Worm d’Assumpção
Design gráfico | Triplinfinito
Registo videográfico | André Godinho
Produção | Pedro Pires
Co-produção | CENTA, Teatro Praga

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2006 | DISCOTHEATER

Uma performance “duracional”.

DISCOTHEATER é um espectáculo que começa quando os outros acabam.

DISCOTHEATER é um espectáculo entre a História e o Zeitgeist. Entre teorias e factos. Entre arte, tradição e autoridade. Entre arte correcta e incorrecta. Entre improvisação e perícia. Entre o sacrifício romântico e o triunfo doloroso. Entre “Wahn und Witz” (ilusão e presença de espírito). Entre o dionisíaco e o apolíneo.

Uma “discoteatralização” contínua. Uma linha de montagem de imagens e de rasgos explosivos de mestria. Uma “phantasmagoria”. Um não-lugar “discoteatral” povoado de mestres que se autoproclamam como tal. Tudo e todos à espera da luz. Da ‘’Aufklärung‘’(iluminação).

Nos tempos que correm, a procura do novo deriva de uma consciência que perdeu o pé perante o real, uma deriva quixotesca. Uma mestria impraticável. Um desejo do que não existe. Uma coisa que não há. Por isso, um gatilho para ensaiar uma continuação. E se nos lembrarmos que já caíram folhas secas de uma teia, que já houve uma tempestade de produtos alimentares no palco, que já houve três mil convidados para ver uma galeria vazia, que já irromperam cavalos pela cena, que já foram confeccionadas refeições quentes servidas por actores-músicos, que já se construiu um cenário labiríntico onde os espectadores tinham de encontrar o seu caminho, que já se fez um chão-canteiro repleto de cravos vermelhos, o que nos restará? Só mesmo continuar.

No DISCOTHEATER sentimo-nos “como se estivéssemos dentro de um sonho. Tivemos um sonho maravilhoso, que mal nos atrevemos a pensar, pois temos medo de o ver desaparecer. É essa precisamente a nossa missão: interpretar e fixar sonhos. Não haverá nada mais do que isso. Vamos contar-vos o nosso sonho matinal. E esperamos acordar ao mesmo tempo.” Era assim que gostávamos que fosse.

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Co-produção | Festival Alkantara
Co-criação e interpretação | André e. Teodósio, Cláudia Jardim, Diogo Bento, Maria João Machado, Nelson Guerreiro, Patrícia da Silva, Pedro Penim e Vasco Araújo
Desenho de luz | Daniel Worm d’Assumpção
Produção | Pedro Pires
Fotografia | Ângelo Fernandes e José Luís Neves
Vídeo | André Godinho
Colaboração | Isabelle Schad
Apoio | O Espaço do Tempo

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Duração | 70min
M/12

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2005 | EUROVISION

“Caros senhores, estimadas senhoras: há música no programa / Cantores, tomem as vossas posições, que vença o melhor / Abrem-se as fronteiras / E se proclamássemos que esta noite é a festa?»

Telex, Euro-Vision

Existirá tal coisa como uma Identidade Europeia? Será que nos conseguimos entender, quando falamos tantas línguas diferentes? Este «espetáculo a duas vozes» investiga estas questões. Porém, ao invés de apresentar respostas, confronta a audiência colocando mais questões numa performance irónica que, em linha com o tema, recorre a múltiplas línguas e usa elementos variados provenientes de diversas áreas artísticas.

Procurando definir com precisão este europeísmo, escolhemos o maior evento kitsch da causa comum: o Festival Eurovisão da Canção, onde os representantes de diferentes nações, com culturas, línguas, hábitos e níveis de vida diversos, se reúnem numa parada de mau gosto uniforme.

Europe starts with the birth of its ordinary languages and with the reaction, often alarmed, towards the eruption of the mentioned languages, start the critical culture of Europe, provoking the fragmentation drama of languages and starts to reflect about its own destiny of Multilanguage civilization. Suffering the effects of fragmentation, Europe tries to come up with a solution: looks backwards and tries to find again the Adamic language, and looks forward focusing on the construction of a language of reason as perfect as Adam’s language.

Umberto Eco
Searching for the perfect language

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Texto | Pedro Penim
Criação e interpretação | Pedro Penim e  André e. Teodósio
Produção | Cristina Correia, Elizabete Fragoso, Pedro Pires
Desenho de luz | Daniel Worm d’Assumpção
Versão inicial criada em colaboração com | Rogério Nuno Costa e Martim Pedroso
Co-produção | ZDB, Transforma AC
Fotografia | Ângelo Fernandes, Lab8

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Duração | 60min
M/12

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2005 | SHALL WE DANCE

Ciclos de duetos (2003-2008)

Shall We Dance é um ciclo feito em pequenas doses que em 2008 completa a sua quinta edição. Um elemento do Teatro Praga convida um “estrangeiro” para colaborar consigo na criação de um objecto teatral. Shall We Dance é um motor para a exploração de cumplicidades. Uma operação a duas mãos para descobrir outras leituras e aceitar novos compromissos. Até ao momento os espectáculos foram feitos em colaboração com os artistas: Alexander Kelly, Daniel Worm d’Assumpção, Joaquim Horta, José Gonçalo Pais, José Maria Vieira Mendes, Maria João Machado, Marta Furtado, Nelson Guerreiro e Nuno Carinhas.

SHALL WE DANCE 2
2005

Co-criação | Patrícia da Silva e Nelson Guerreiro
Apoio | O Espaço do Tempo

• Super-Gorila

Co-criação | André e. Teodósio e José Maria Vieira Mendes
Com | André e. Teodósio
Colaboração especial | Pedro Olivença
Desenho de Luz | André e. Teodósio e José Maria Vieira Mendes
Montagem | Luís Bombico e João Leonardo

• Hidden Track

Co-criação | Carlos Alves

SHALL WE DANCE 3
2006

Co-produção | CENTA

• Quarteto

Co-criação | Cláudia Jardim e José Gonçalo Pais

• Our Party People

Co-criação | Sofia Ferrão e Maria João Machado
Desenho de luz | Teatro Praga com a colaboração de Daniel Worm d’Assumpção
Design gráfico | Triplinfinito
Registo videográfico | André Godinho
Produção e promoção | Pedro Pires

SHALL WE DANCE 4
2007

Co-produção| Culturgest

• Off The White

Co-criação | Paula Diogo e Alexander Kelly

• Geografias e Tratados

Co-criação | Sofia Ferrão e Nuno Carinhas

• Hunting Scene

Co-criação | Cláudia Gaiolas e Daniel Worm d’Assumpção
Desenho de luz | Daniel Worm d’Assumpção
Registo videográfico | André Godinho
Produção e promoção | Pedro Pires
Colaboração em Off The White | Christopher Hall, Tracey Doxey e Mário Costa
Concepção de Figurino em Hunting Scene | Miss Suzie
Colaboração em Hunting Scene | Pedro Carmo e DJ Alx
Interpretação em Geografias e Tratados | Carlos Alves

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2005 | SUPER-GORILA

Este espectáculo começou num adolescente.

“Estamos tristes, é normal. Isso estamos sempre.” Há histórias que já não se contam. Há coisas que estão mal. Há palavras que não se dizem. Não existem razões, nem se encontra uma direcção, um inimigo ou um culpado. Acontece muito e tudo em simultâneo. E é difícil estar quieto e também falar e ficar calado. Raras vezes se percebe quando começou como também quando acaba ou quando se juntam e separam.

Procura-se no tempo, vai-se atrás para achar o fio que se perdeu. Mas a memória é fraca. E a vontade pouca.

Este espectáculo começou num adolescente.

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Um espectáculo de André e. Teodósio e José Maria Vieira Mendes
Co-produção | O Espaço do Tempo
Co-criação | André e. Teodósio e José Maria Vieira Mendes
Operação de luz e som | Pedro Pires
Imagens de promoção e design gráfico | Javier Nuñez Gasco e Catarina Campino
Registo videográfico | Triplinfinito
Produção e promoção | Cristina Correia
Duração | 40m (s/ intervalo)
Língua | português (com legendagem, se necessário)

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Duração | 40min
M/12

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2005 | AGATHA CHRISTIE

Talvez seja difícil falar deste espectáculo, ou pelo menos tanto como dos últimos, porque há mais uma vez a tentativa de fazer um trabalho que não tenha uma narrativa bem sucedida e que ainda assim seja eficiente a todos os níveis e que ao mesmo tempo propõe voltar à narrativa a partir de uma narração, mas sem passar pela psicologia narrativa. Tudo em bomba-relógio.

Agatha Christie pressupõe dois tempos distintos: o tempo do “Whodunnit?”, onde a narrativa impera; e a vitória do delírio (onde paradoxalmente a ordem se estabelece), onde há personagens, e sequências de acções, canções pop e (malgré tout) sequências narrativas. Cada item com a sua integridade, os seus limites e o seu próprio desenvolvimento. Cada coisa toma o seu lugar no todo. Cada parte utiliza o seu conteúdo, o seu tom, o seu ritmo e as suas qualidades formais, criando um meta-ritmo, um supra-objecto.

O tema da culpabilidade generalizada é tratado por Agatha Christie em ‘’Ten Little Niggers’’, destruindo uma convenção básica do policial (que é também uma das ficções da sociedade moderna): a determinação do culpado, esse lugar visível do mal que a todos redime. O policial clássico glosou até à exaustão este tema: os suspeitos podem ser muitos, todos terão motivos para matar, mas, no final, um só será o criminoso (mesmo quando ao “culpado” correspondem dois ou três sujeitos empíricos). Para lá da confiança epistemológica que a explicação do mistério sempre transmite, esta determinação do culpado nunca deixará de instaurar um sentimento de tranquilidade. Nas palavras de Abel Barros Baptista: “Uma vez decidida a questão de saber ‘quem teve a culpa?’, todos os problemas se dissipam e vai cada um à sua vida.”

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Co-criação e interpretação | André e. Teodósio, Carlos Alves, Cláudia Gaiolas, Cláudia Jardim, Diogo Bento, Patrícia da Silva, Paula Diogo, Pedro Penim, Sandra Simões e Sofia Ferrão
Design gráfico | Triplinfinito
Fotografia | Ângelo Fernandes e Sofia Ferrão
Desenho de luz e direcção técnica | Daniel Worm d’Assumpção
Direcção de produção e promoção | Pedro Pires
Co-produção | Culturgest

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2004 | CINCO ESTRELAS

5***** é uma hora de celebração, de evocação de velhos fantasmas e provocação de novos.

5***** é um espectáculo que passa pela história do teatro português e do Teatro Praga (que comemora, no ano 2005, 10 anos de actividade), que confere, que nomeia, que dá conselhos em forma de receituário em como construir um espectáculo 5*****, que prolonga a sua obsessão pelo niilismo Nietzschiano (e de Artaud, porque não), pelo pós-modernismo de Derrida, e pela busca de linguagem e sentido de Steiner, mais o Montaigne, Benjamin e o Castoriadis, que troca o dito pelo não-dito, o rir pelo chorar, a verdade pelo falso, troca os próprios nomes, que se auto-questiona, que conta coisas sem no fundo saber a história, que estreia todos os dias, a toda a hora, mais canções, figurinos e fumo, muito fumo (o eterno dilema português)…

5***** é uma hora de celebração, de evocação de velhos fantasmas e provocação de novos.

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Co-criação e interpretação | André e. Teodósio, Carlos Alves, Cláudia Gaiolas, Cláudia Jardim, Paula Diogo, Pedro Penim, Pedro Pires, Patrícia da Silva, Sandra Simões e Sofia Ferrão
Desenho de luz | Pedro Domingos

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2004 | TÍTULO

Título faculta uma escolha ao público: o de pagar ou não pagar. A escolha é decisiva para a definição do papel de cada um no espectáculo: cada lugar escolhido, cada ângulo de visão, cada movimento accionado e cada palavra proferida estão sujeitas a um carimbo taxativo de verdadeiro ou falso. Ficção e documento situam-se, aqui, na mesma dimensão.

O espectáculo chamado Título é uma sucessão de “peças falsas” que não pretendem “retratar”, e que inevitavelmente se perderão ao tentar procurar significado em objectos que duvidam de si mesmos. Dúvidas que chegam da garantia que substituir velhos deuses por falsos novos deuses como explica Arno Gruen*, significa uma libertação de “submissões antigas” por “autoridades novas”.

Título pretende dar provas inequívocas da verdade num terreno minado de mentiras. Pretende ao mesmo tempo rotular projectos impregnados de veracidade de artigos tão falsos como os jarros Ming das lojas dos 300.

Pisar estas minas anti-pessoais é tão excitante quanto inoportuno ou vão.

É de crer que este espectáculo chamado Título, tal como estas tautologias e contradições, é puramente formal, desprovido de sentido e que nada nos diz sobre o mundo. Mas é também de considerar a sua condição de espectáculo essencial, tal como as tautologias o são no domínio da lógica, enunciando as leis sem as quais o pensamento e o discurso seriam incoerentes.

Se as proposições tautológicas do género: “O meu nome é nome” são necessariamente verdadeiras a priori e se o contrário (uma contradição) é uma preposição lógica necessariamente falsa, quando aplicadas à convenção tridimensional do teatro todas elas se baralham e se confrontam com este espaço da falsidade por excelência que, em regra, se situa nos antípodas da percepção e do entendimento hiper-realista do cinema.

*Falsos Deuses, Arno Gruen, Paz Editora de Multimédia Lda., Lisboa 1997, tradução de Lumir Nahodil.

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Co-criação e interpretação | Carlos Alves, Catarina Campino, Cláudia Jardim, Javier Núñez Gasco, Patrícia da Silva e Pedro Penim
Produção e promoção | Pedro Pires
Fotografias | Sofia Ferrão e Hélio Mateus
Apoio | O Espaço do Tempo

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2004 | SOBRE A MESA A FACA

Num ringue, e em tumulto constante, desfilam as mais diversas interrogações.

Axes / After whose stroke the wood rings, / And the echoes!…
“Words”, Sylvia Plath

Sobre a mesa a faca é um espectáculo co-produzido pelas companhias Cão Solteiro e Teatro Praga, que representa um esforço de colaboração e um confronto de identidades e, dando seguimento aos últimos trabalhos das duas companhias, é um trabalho que se quer como um ensaio visual/vital, de leitura aberta.

Num ringue, e em tumulto constante, desfilam as mais diversas interrogações: O que é público e o que é privado? O que é meu e o que é teu? Lutaremos? Quem sobreviverá? Quem terá mais poder? Alguém aniquilará alguém? Um universo transparente ou reflector? O que é verdade e o que é mentira? Quem és tu e quem sou eu? Isto é real ou inventado? Estão a olhar para mim ou estão a olhar para ti? Sou eu um micróbio sobre a faca? E a mesa, o mundo? E eu, e eu (entra a música)…

Deve: Não há mesa. Não há faca. Não há tendência para definir o espectáculo segundo uma regra simples ou segundo uma única cena ou actividade. Não é sobre nada. É sobre tudo. Não há só um sítio onde se pode falar. Não se fala só para o público. Não se fala. Fala-se.

Haver: As personagens são finalmente bem-vindas. Há o lixo do mundo. Há mãos que se erguem em prol de atenção. Há segundas peles de protecção. Há uma cidade. Há a cidade e os seus textos. Há os artistas e os seus textos. Há conversas/entrevistas. Há o reconhecimento individual a partir duma estrutura de “refém do outro”. E a cidade ergue-se. E a cidade desmorona-se. Há o hino da América. Há dinheiro, muito dinheiro. Há morte sem sangue. Há feridas com sangue. Há cão com peste, há pragas que ladram. Há vozes do além. Há o aqui e o agora. E nada mais.

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Co-criação e interpretação | André e. Teodósio, Carlos Alves, Marcello Urgeghe, Paula Sá Nogueira, Pedro Penim e Sofia Ferrão
Apoio à dramaturgia | Manuela Correia
Figurinos | Mariana Sá Nogueira
Cenografia | Nuno Carinhas
Execução de figurinos | Teresa Louro, Palmira Abranches e Natália Ferreira
Produção e promoção | Pedro Pires
Co-produção | Cão Solteiro
Design gráfico | Triplinfinito

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2003 | PRIVATE LIVES

Um gesto determinante de um lançar de dados decide o preço do bilhete. A distribuição dos 4 papéis pelos 6 actores é uma Roleta-Russa oferecida, de bandeja, ao público. Serão a Serendipidade, o Book-Crossing, o Random Order, o Nietzsche (!) e o Amor (!!?) farinha do mesmo saco? Um saco com uma bola branca e outra preta chamado acaso.

Cabe a este decidir, para cada dia, a hipótese certa das 72 combinações possíveis que sabemos que existem neste espectáculo. Mas avisamos desde já que o exponencial é infinito, e que a mão que embala o copo de dados é a mão que vai determinar o desenrolar dos acontecimentos.

De Noël Coward ainda não sabemos se gostamos. Nunca percebemos em que parte da zona cinzenta e infinita que vai do dandy intelectual ao queer fútil é que ele se situa. É neste território movediço, neste pântano, que se vai operar a construção da peça e do espectáculo. E é aqui que o universo cool e eficaz de Noël Coward sofre um duro golpe do destino: a encenação (público e actores) deste espectáculo nunca será mais do que um produto da casuística e da assunção dos resultados. E que ninguém se desobrigue das consequências.

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Nomeções

VENCEDOR | Prémio “Teatro na Década 2003” | Clube Português de Artes e Ideias | categ. Encenação e Melhor Actriz

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Texto | Noël Coward
Tradução | Carlos Falcão
Co-criação e interpretação | André e. Teodósio, Carlos Alves, Cláudia Jardim, Paula Diogo, Patrícia da Silva, Pedro Penim e Sofia Ferrão
Styling | Sofia Aparício
Produção executiva | Pedro Pires
Design gráfico | Paula Veiga

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2003 | DE REPENTE EU

A reconstituição de um óbito.

Trata-se aqui da reconstituição de um óbito.

Escrita a partir de A Noite e o Riso de Nuno Bragança, esta peça põe em cena o congelamento de um momento e a revisitação de um passado: um vasculhar permanente pela memória visual de alguém.

Esta reconstituição é também sinónima de reconstrução. Reconstrução de uma ruína ou de um espaço vazio. Reconstrução de uma vida ou de um momento decisório e determinante. Uma reconstrução desconstruída e desprovida de continuidades. Uma reconstrução feita de oportunidades e de aproveitamentos vampíricos de locais, histórias, espectadores, escritores e performers.

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Prémios
MENÇÃO HONROSA | prémio ACARTE / Madalena Perdigão 2003

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Texto | Pedro Penim, a partir de A Noite e o Riso de Nuno Bragança
Encenação | Pedro Penim
Interpretação | André e. Teodósio, Cláudia Gaiolas, Cláudia Jardim e Tiago Matias
Direcção de produção | Maria João Fontaínhas
Produção executiva | Ana Rita Osório e Pedro Pires
Fotografia | Sofia Ferrão
Co-produção | Cª Teatro de Sintra / Transforma AC

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Duração | 60min
M/12

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2002 | UM MÊS NO CAMPO

Para Turgueniev Um mês no campo refere-se à estadia de Belyaev na propriedade dos Islaev, mas para nós, Teatro Praga, significou também um mês de residência, experimentação e confronto no CENTA em Vila Velha de Ródão.

A proposta era um espectáculo imprevisto, que diferia de dia para dia, sem marcações e que assumia a nossa passagem de um meio natural para um campo de batalha (o teatro).

O trabalho que realizámos a partir deste clássico do teatro russo do século XIX pressupôs uma relação com um meio estranho, o campo, motor de uma vivência casuística em torno de tropeções sucessivos no amor.

Apoiámo-nos no legado do autor e reflectimos sobre a possibilidade do vazio e do nihil, e, esticando mais a corda, pusemos no palco o “valor seguro” da interrupção, a troca entre o objecto e o sujeito artístico, o prazer da contracena e a pulsão de um texto escrito há mais de um século, que trouxemos à realidade e à vida sensível dos actores e co-criadores.

Projecto Vencedor do Prémio ‘’Teatro na Década 2003’’, do Clube Português de Artes e Ideias, na categoria de reposição.

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Texto | Ivan Turgueniev
Tradução e versão | Pedro Penim, a partir da tradução inglesa de Richard Freeborn (A Month in the Country, ed. Oxford University Press, 1991) e da francesa de Denis Roche, revista por Françoise Flamand (Un mois à la campagne, ed. Gallimard, 1995)
Co-criação e interpretação | André e. Teodósio, Carlos Alves, Cláudia Jardim, Patrícia da Silva, Pedro Penim e Sofia Ferrão
Com a colaboração de | Cláudia Gaiolas, David Dias, Hugo Sovelas, Ivo Serra, Pedro Martinez e Sandra Simões
Vídeos e iluminação | Paulo Simões
Design gráfico | Elsa Guimarães
Produção e divulgação | Pedro Pires
Fotografias | Sandra Ramos e Sofia Ferrão

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2001 | PROFUNDO DELAY

“Em 2001 e a convite de Jorge Silva Melo para o evento Uma Mesa e Duas Cadeiras, escrevi e co-encenei um texto sobre a cidade, ou as cidades. Pensei sempre na Lapónia como ponto de partida e numa canção homónima da finlandesa Mónica Aspelund como meio para pôr a escrita em prática.

O resultado é uma série de quadros mais ou menos “lounge”. Uma “féerie” cosmopolita, que mistura Londres, Paris e Roma, com Invernos prolongados na Crimeia ou em Tirana, noites de Halloween em Virginia Beach e passagens rápidas pela Avenida da República. Tudo acompanhado pelo que considero ser a única manifestação do divino nas cidades: o corte de energia.

Como na altura não tinha nenhum disco do Burt Bacharach, pensei também muito no Tony de Matos e no Vodka Martini e dediquei-lhes um dos quadros. Mais ou menos “lounge”.

Para mim e para a Cláudia era conditio sine qua non que este seria um espectáculo feliz sobre a cidade feliz. E é-o.”

Pedro Penim

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“Profundo Delay” foi reencenado por Ana Tang e Paulo Pascoal em 2017, no âmbito da ACREÇÃO – Ciclo de reenactments de performances portuguesas.

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Co-criação e interpretação | Cláudia Jardim e Pedro Penim
Texto | Pedro Penim
Produção executiva | Pedro Pires
Responsabilidade técnica | Paulo Simões
Fotografias | Sandra Ramos